The MoMA Museum

In the late 1920s, three progressive and influential patrons of the arts, Miss Lillie P. Bliss, Mrs. Cornelius J. Sullivan, and Mrs. John D. Rockefeller, Jr., perceived a need to challenge the conservative policies of traditional museums and to establish an institution devoted exclusively to modern art. When The Museum of Modern Art was founded in 1929, its founding Director, Alfred H. Barr, Jr., intended the Museum to be dedicated to helping people understand and enjoy the visual arts of our time, and that it might provide New York with "the greatest museum of modern art in the world."

The public's response was overwhelmingly enthusiastic, and over the course of the next ten years, the Museum moved three times into progressively larger temporary quarters, and in 1939 finally opened the doors of the building it still occupies in midtown Manhattan. Upon his appointment as the first Director, Barr submitted a plan for the conception and organization of the Museum that would result in the Museum's multi-departmental structure with departments devoted for the first time to Architecture and Design, Film and Video, and Photography, in addition to Painting and Sculpture, Drawings, and Prints and Illustrated Books. Subsequent expansions took place during the 1950s and 1960s planned by the architect Philip Johnson, who also designed The Abby Aldrich Rockefeller Garden. In 1984, a major renovation designed by Cesar Pelli doubled the Museum's gallery space and enhanced visitor facilities.

The rich and varied collection of The Museum of Modern Art constitutes one of the most comprehensive and panoramic views into modern art. From an initial gift of eight prints and one drawing, The Museum of Modern Art's collection has grown to include over 150,000 paintings, sculptures, drawings, prints, photographs, architectural models and drawings, and design objects. MoMA also owns approximately 22,000 films and four million film stills, and MoMA's Library and Archives, the premier research facilities of their kind in the world, hold over 300,000 books, artist books, and periodicals, and extensive individual files on more than 70,000 artists. The Museum Archives contains primary source material related to the history of MoMA and modern and contemporary art.

The Museum maintains an active schedule of modern and contemporary art exhibitions addressing a wide range of subject matter, mediums, and time periods, highlighting significant recent developments in the visual arts and new interpretations of major artists and art historical movements. Works of art from its collection are displayed in rotating installations so that the public may regularly expect to find new works on display. Ongoing programs of classic and contemporary films range from retrospectives and historical surveys to introductions of the work of independent and experimental film- and videomakers. Visitors also enjoy access to a bookstore offering an assortment of publications and reproductions, and a design store offering objects related to modern and contemporary art and design.

The Museum is dedicated to its role as an educational institution and provides a complete program of activities intended to assist both the general public and special segments of the community in approaching and understanding the world of modern and contemporary art. In addition to gallery talks, lectures, and symposia, the Museum offers special activities for parents, teachers, families, students, preschoolers, bilingual visitors, and people with special needs. The Museum's Library and Archives contain the leading concentration of research material on modern art in the world, and each of the curatorial departments maintains a study center available to students, scholars and researchers. In addition, the Museum has one of the most active publishing programs of any art museum and has published more than 1,200 editions appearing in twenty languages.

In January 2000, the Museum and P.S.1 Contemporary Art Center exercised a Memorandum of Understanding formalizing their affiliation. The final arrangement results in an affiliation in which the Museum becomes the sole corporate member of P.S.1 and P.S.1 maintains its artistic and corporate independence. This innovative partnership expands outreach for both institutions, and offers a broad range of collaborative opportunities in collections, exhibitions, educational programs, and administration.

MoMA has just completed the largest and most ambitious building project in its history. This project nearly doubled the space for MoMA's exhibitions and programs. Designed by Yoshio Taniguchi, the new MoMA features 630,000 square feet of new and redesigned space. The Peggy and David Rockefeller Building on the western portion of the site houses the main exhibition galleries, and The Lewis B. and Dorothy Cullman Education and Research Building—the Museum's first building devoted solely to these activities—on the eastern portion of the site provides over five times more space for classrooms, auditoriums, teacher training workshops, and the Museum's expanded Library and Archives. These two buildings frame the enlarged Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden. The new Museum opened to the public on November 20, 2004, and the Cullman Building opened in November 2006.

To make way for its renovation and rebuilding, MoMA closed on Fifty-third Street in Manhattan on May 21, 2002, and opened MoMA QNS in Long Island City, Queens, on June 29, 2002. MoMA QNS served as the base of the Museum's exhibition program and operations through September 27, 2004, when the facility was closed in preparation for The Museum of Modern Art's reopening in Manhattan. This building now provides state-of-the-art storage spaces for the Museum.

Today, the Museum and P.S.1 welcome thousands of visitors every year. A still larger public is served by the Museum's national and international programs of circulating exhibitions, loan programs, circulating film and video library, publications, Library and Archives holdings, Web site, educational activities, special events, and retail sales.


The Museum of Modern Art is a place that fuels creativity, ignites minds, and provides inspiration. With extraordinary exhibitions and the world's finest collection of modern and contemporary art, MoMA is dedicated to the conversation between the past and the present, the established and the experimental. Our mission is helping you understand and enjoy the art of our time.
Mission Statement

Founded in 1929 as an educational institution, The Museum of Modern Art is dedicated to being the foremost museum of modern art in the world.

Through the leadership of its Trustees and staff, The Museum of Modern Art manifests this commitment by establishing, preserving, and documenting a permanent collection of the highest order that reflects the vitality, complexity and unfolding patterns of modern and contemporary art; by presenting exhibitions and educational programs of unparalleled significance; by sustaining a library, archives, and conservation laboratory that are recognized as international centers of research; and by supporting scholarship and publications of preeminent intellectual merit.

Central to The Museum of Modern Art's mission is the encouragement of an ever-deeper understanding and enjoyment of modern and contemporary art by the diverse local, national, and international audiences that it serves.

To achieve its goals The Museum of Modern Art recognizes:

* That modern and contemporary art originated in the exploration of the ideals and interests generated in the new artistic traditions that began in the late nineteenth century and continue today.
* That modern and contemporary art transcend national boundaries and involve all forms of visual expression, including painting and sculpture, drawings, prints and illustrated books, photography, architecture and design, and film and video, as well as new forms yet to be developed or understood, that reflect and explore the artistic issues of the era.
* That these forms of visual expression are an open-ended series of arguments and counter arguments that can be explored through exhibitions and installations and are reflected in the Museum's varied collection.
* That it is essential to affirm the importance of contemporary art and artists if the Museum is to honor the ideals with which it was founded and to remain vital and engaged with the present.
* That this commitment to contemporary art enlivens and informs our evolving understanding of the traditions of modern art.
* That to remain at the forefront of its field, the Museum must have an outstanding professional staff and must periodically reevaluate itself, responding to new ideas and initiatives with insight, imagination, and intelligence. The process of reevaluation is mandated by the Museum's tradition, which encourages openness and a willingness to evolve and change.

In sum, The Museum of Modern Art seeks to create a dialogue between the established and the experimental, the past and the present, in an environment that is responsive to the issues of modern and contemporary art, while being accessible to a public that ranges from scholars to young children.

BaCAA BANDUNG

BANDUNG CONTEMPORARY ART AWARDS (BaCAA)




Bandung Contemporary Art Award bertujuan menggairahkan pengembangan seni rupa kontemporer di Indonesia, dengan berujung pada penempatan dalam peta dunia. Perhatian akan diberikan pada upaya memajukan partisipasi pemenang anugerah ini dalam ruang-ruang seni penting. Seniman yang dapat berpartisipasi dalam penganugerahan ini adalah seniman muda berbakat yang telah memamerkan karyanya di galeri-galeri mapan, ruang seni publik, atau ruang-ruang seni baru dengan program yang jelas.

ArtSociates telah setuju mengelola penganugerahan tersebut, menyediakan dana untuk anugerah pertama yang akan diberikan pada Januari 2011, dan mengatur pameran serta lelang. Meskipun anugerah ini awalnya akan diberikan kepada seniman Indonesia yang baru muncul (emerging artists), mekanisme anugerah ini dapat saja berkembang untuk mencakup seniman-seniman internasional, agar para seniman dan karya-karya seni Indonesia dapat berperanserta dan berkompetisi pada tingkat internasional.

Pemenang & Penghargaan

BaCAA diberikan setahun sekali; anugerah yang pertama akan diberikan pada Januari 2011. Satu orang pemenang akan memperoleh total Rp100.000.000,00. Tiga pemenang terbaik lainnya akan memperoleh paket wisata seni atau residensi seniman di Asia atau di Eropa. Akan dipilih 25 karya terbaik untuk disertakan dalam pameran dan dalam lelang setelahnya.

Persyaratan

Pendaftar untuk penganugerahan pada 2011 haruslah seniman atau kelompok seniman Indonesia yang tinggal di Indonesia dan secara aktif bekerja mengembangkan karier sebagai seniman rupa.
Para seniman atau seniman anggota kelompok peserta yang berpartisipasi dalam Anugerah ini haruslah berusia kurang daripada 40 tahun sebelum 1 Januari 2011. Para seniman atau kelompok seniman ini harus memiliki catatan berpameran setidaknya tiga kali dalam tiga tahun terakhir di tiga ruang-ruang seni yang baik yang telah disebutkan di atas.

Tema

Untuk anugerah pertama, tema tidak terlampau dibatasi tetapi mengacu pada kombinasi antara ide yang hebat dan eksekusi yang luar-biasa.

Prosedur dan peraturan

Karya seni yang dikirimkan dianggap oleh sang seniman atau kelompok seniman peserta sebagai karya terbaik yang dibuat dalam dua tahun terakhir sebelum 1 Januari 2011 atau karya yang dibuat tahun 2009 dan 2010. Karya seni tersebut harus dimiliki oleh seniman atau kelompok seniman dan bisa diikutsertakan dalam lelang. Paling banyak 1 karya seni untuk satu seniman atau kelompok seniman.

Dimensi karya 2D tidak lebih dari 6m2 (contoh karya dengan dimensi maksimum 2mx3m, 1.2mx5m, 4mx1.5m, dll). Untuk karya 3D, tinggi tidak lebih dari 3m sedangkan lebar x dalam tidak lebih dari 3m2 (contoh karya dengan dimensi maksimum: 3mx2mx1m, 3mx2mx1.5m, dll). Untuk video, durasi putar tidak melebihi 10 menit.

Dengan mengirimkan suatu karya untuk kompetisi, seniman atau kelompok seniman menyatakan setuju dengan peraturan anugerah ini. Untuk ikut serta dalam praseleksi kompetisi, seniman harus mengirimkan foto beresolusi tinggi dari karya seni tersebut bersama dengan portofolio (CV) terbaru seniman serta penjelasan singkat tentang karya oleh sang seniman.

Pengiriman dapat dilakukan secara elektronik atau melalui pos dalam cakram padat (CD), dan dikirimkan kepada penyelenggara. [Apabila dikirimkan secara elektronik, ukuran total dari foto dan portofolio harus kurang daripada 1 MB.]

Foto harus dalam format jpg dan diberi nama dalam format berikut:

• “Nama-seniman + judul-karya + tahun + media + ukuran (tinggi x lebar atau tinggi x lebar x dalam)”

• (contoh: Joko-Sumarjo Cahaya-di-ruang-kosong 2010 Paper-polyurethane-asphalt 150x200x10)
Nama berkas portofolio harus dalam format berikut:

• “Nama-seniman + kota-tempat-tinggal + tanggal-lahir”

• (e.g. Joko-Sumarjo Jogjakarta 1958-04-10)
Penjelasan singkat tentang karya seni tidak melebihi 300 kata, mengacu pada konsep yang mendorong sang seniman untuk membuat karya dan apabila diperlukan termasuk didalam-nya penggunaan artisan sebagai bagian dari konsep karya maupun pengerjaan karya.
Berdasarkan foto dan portofolio seniman, Juri akan menyeleksi paling banyak seratus (100) peserta dan meminta mereka untuk mengirimkan karya seninya kepada pengelola.

Tenggat pengiriman

Foto karya, diskripsi konsep karya dan portofolio seniman harus diterima sebelum 1 September.
Paling banyak seratus (100) karya seni yang terseleksi harus diterima sebelum 1 November.

Juri

Anggota Juri dalam kompetisi ini akan bertindak sebagai anggota selama dua tahun berturut-turut. Untuk menggairahkan perkembangan dan perpanjangan ke arah suatu perhelatan internasional, suatu Dewan Juri berikutnya akan dibentuk dengan mempertimbangkan rekomendasi Dewan Juri dari dua tahun sebelumnya. Untuk dua tahun pertama, anggota Dewan Juri adalah
1. Agus Suwage (Perupa)
2. Carla Bianpoen (Art Jurnalis)
3. Hendro Wiyanto (Kurator)
4. Mella Jaarsma (Perupa)
5. Rifky Effendy (Kurator)
6. Syakieb Sungkar (Kolektor Seni)
7. Wiyu Wahono (Kolektor Seni)

Pengumuman & Pameran

Pengumuman hasil seleksi 25 karya terbaik akan diterbitkan di media massa dengan pemberitahuan kepada sang seniman selambatnya 1 Desember; nama pemenang akan tetap dirahasiakan dan diumumkan saat pembukaan pameran. Ke-25 karya seni yang terseleksi akan dipamerkan di Lawangwangi pada bulan Januari/Februari 2011.

Lelang

Untuk penganugerahan pertama, pada akhir pameran, karya-karya seni akan dilelang oleh Ms. Deborah Carr Iskandar, sebagai suatu acara khusus Sothebys untuk memamerkan dan mempromosikan para seniman serta karya-karya mereka. Setengah keuntungan lelang akan diberikan kepada seniman, dan sisanya untuk dana yang dikelola dan didedikasikan untuk Anugerah Seni ini.

Penyelenggara

Untuk dua tahun pertama, BaCAA diorganisasi oleh ArtSociates dengan alamat.

Lawangwangi
Jl. Dago Giri 99, Warung Caringin, Mekarwangi, Bandung, 40391, Indonesia
Phone. +62 22 250 4065, Fax. +62 22 250 4105
E-mail. bacaa@artsociates.com
www.artsociates.com/BaCAA

JUARA INDONESIA ART AWARD

Jum'at, 18 Juni 2010 - 00:08
Inilah Pemenang IAA 2010
oleh Tim Indonesia Art News





Suasana keriuhan pembukaan pameran finalis Indonesia Art Award 2010 di Galeri Nasional Indonesia dengan latar belakang karya lukisan salah satu pemenang IAA 2010, Tatang Ramadhan Bouqie. (foto: kuss)
TATANG Ramadhan Bouqie dari Jakarta, Wilman Syahnur (Yogyakarta) dan Edwin Windu Pratama/Ewing (Bandung), masing-masing merebut posisi 3 Besar Indonesia Art Award 2010. Sementara 2 seniman lain, yakni Ariswan Aditama dan M. Pringgotono memperoleh Special Mentioned. Karya lima senima tersebut terpilih setelah melalui seleksi yang ketat dari sebuah tim juri yang terdiri dari 5 orang, masing-masing Jim Supangkat (juri), Asmudjo J. Irianto, Suwarno Wisetrotomo, Rizki A. Zaelani, dan Kuss Indarto. Tatang menampilkan 4 panil karya lukisan bertajuk “Teater dari Saluran 99” (200 x 1.200 cm, cat akrilik, 2009). Karya seniman yang juga mantan illustrator majalah berita mingguan Tempo ini tampill begitu naratif dengan manusia “polkadot“ sebagai figur sentral dalam karyanya. Sedang Wilman Syahnur mengetengahkan karya patung bercitra Presiden Amerika Serikat, Barrack Obama, yang tengah menumpang becak. Karya bertitel “Membuat Obama dan Perdamaian yang Dibuat-buat” itu didampingkan dengan beberapa foto prosesi Wilman Syahnur sendiri yang tengah mengendarai becak dengan penumpang Obama berkeliling kota Yogyakarta. Dan Edwin Windu Pratama yang mengikutkan karyanya, “The Good, The Bad, The Restless”, yang berupa karya instalatif dengan video art ada di dalamnya.

Para seniman yang mendapatkan penghargaan 3 Besar IAA 2010 mendapatkan hadiah uang masing-masing sebesar Rp 50.000.000 (limapuluh juta rupiah). Sedang 2 seniman lain yang mendapatkan penghargaan Special Mentioned masing-masing berhak meraih uang sebesar Rp 15.000.000 limabelas juta rupiah). Karya yang berhak mendapatkan Special Mentioned adalah karya seni grafis berjudul “Police Shoot Them” kreasi Ariswan Adhitama (145x165 cm), dan karya instalasi dinding berupa barisan 12 helm bergambar gubahan MG. Pringgotono. Kelima karya ini menyingkirkan para pesaingnya yang berjumlah hingga 93 finalis. 93 karya finalis ini sendiri merupakan saringan dari sekitar 1.200 karya seniman dari seluruh Indonesia yang berminat mengikuti kompetisi Indonesia Art Award 2010.

Dalam sambutan pembukaan pameran IAA 2010, Kamis malam, 17 Juni 2010, Ketua Umum Panitia yang juga Ketua Umum Yayasan Seni Rupa Indonesia (YSRI), Miranda Goeltom, menyatakan bahwa hasil kompetisi kali ini sungguh menggembirakan. Miranda melihat tidak sedikit karya menarik yang lolos sebagai finalis IAA 2010 ini. Oleh karenanya pihaknya berminat untuk menampilkan beberapa karya yang ada termasuk dalam finalis ini untuk ditampilkan dalam perhelatan lain (setelah pameran ini) di forum lain, yakni di Singapura. Bahkan tidak mungkin dalam forum lain yang lebih “mendunia”. Namun Miranda belum secara persis menyebutkan tempat dan forum tersebut secara definitif.

Pada kesempatan lain, Katua Tim Juri/Kurator, Jim Supangkat menilai bahwa banyak karya yang tampil sebagai finalis kali ini memiliki kekuatan yang berarti. Ada beberapa kekuatan karya yang bisa dilacak di dalamnya, yakni kekuatan dalam narasi, dramatika, dan kemampuan craftsmanship yang sangat memadai. Memang, lanjutnya, seni rupa kontemporer tidak secara otomatis dimaknai sebagai karya yang mengandung beberapa unsur di atas. Namun, setidaknya, beberapa karya menunjukkan tendensi yang kuat pada aspek tersebut. Dan inilah yang banyak terjadi dan dialami pada diri seniman. Craftmanship kemudian bersenyawa dengan kemampuan seniman membaca dan membawa aspek intuisi dalam kerja kreatifnya. Tanpa sadar, tutur Jim, para seniman kontemporer dewasa ini memang menjadikan aspek intuisi sebagai hal yang mendasar dan kuat sebagai basis tradisi melahitkan karya.

Dalam pembukaan pameran IAA 2010, Gubernur DKI Jakarta, DR. Fauzie Bowo, batal membuka pameran, dan diwakilkan kepada Ir. Aurora Tambunan, Kepala Dinas Permuseuman dan Purbakala DKI Jakarta. Ada ribuan seniman, pencinta seni, kalangan pers dan media massa, dan lain-lain, yang memadati halaman dan ruang pameran utama Galeri Nasional Indonesia (GNI) Jakarta. ***

WACANA SENI RUPA KONTEMPORER

Selasa, 15 Juni 2010 - 16:27
Discoursing Contemporaneity
oleh Jim Supangkat


Lukisan Awi Ibanesta, seniman otodidak asal Wonosobo, Jawa Tengah. Karya ini sekadar dipajang sebagai "foto", bukan untuk menjelaskan atau menderivasikan gagasan dalam artikel di bawah ini. (foto: kuss indarto)
SEJARAWAN seni rupa terkemuka Hans Belting melihat global contemporary art sebagai “global art” yang harus dibedakan dari “world art”. Bagi Hans Belting pengertian world art mencerminkan pemahaman modernisme yang hegemonik. (1)

Dalam pembacaan saya pengertian world art berpangkal pada pemikiran modern tentang realitas dalam lingkup universal. World art adalah Western art yang di-claim berlaku di seluruh dunia setelah dikukuhkan sebagai modern art. Asumsi ini berhenti pada claim karena tidak menjadi universal reality. Tidak pernah dikaji bagaimana modernisme mengalami translasi dan transformasi di luar Eropa dan Amerika Serikat dan menjadi modernisme yang berbeda. Kendati modern art yang bertumpu pada modernisme dikenal juga di seluruh dunia tidak bisa dipastikan apakah modernisme—a complicated discourse—sesungguhnya dipahami dan kemudian dianut di luar Eropa, Amerika.

Global art, menurut Hans Belting sama sekali bukan tanda-tanda munculnya kenyataan yang diprediksi unversalisme. Global art muncul karena sebab-sebab ekonomi. Perkembangannya di art market tidak peduli pada keseragaman yang diyakini universalisme. Bisnis membuat global contemporary art mempedulikan kekuatan lokal demi bisnis (memperhitungkan persepsi publik, persepsi kolektor dan seniman) dan kemudian merayakan perbedaan. Karena itu globalisme, kata Hans Belting, adalah anti-thesis universalisme. (2)

Dalam pembacaan saya gagasan Hans Belting membedakan “world art” dan “global art” bukan hanya membedakan modern art dan contemporary art. Pembedaan ini meliputi pula pembedaan “contemporary art“ dengan “global contemporary art”. Bila dibaca lengkap “contemporary art” tidak lain adalah “world contemporary art”. Dalam sudut pandang ini “world contemporary art” adalah kelanjutan “world modern art” sekalipun dalam banyak pandangan hubungan ini disangkal karena contemporary art disebut-sebut berada pada platform baru yang sama sekali lain.

Maka “world contemporary art” mengandung pengertian hegemonik juga. Tandanya yang sampai sekarang diyakini adalah perubahan besar dari seni rupa modernis ke seni rupa post-modernis. Seperti modernisme tanda ini (perubahan dari seni rupa modernis ke seni rupa post modernis) tidak bisa dipastikan apakah dipahami sepenuhnya di luar Eropa dan Amerika Serikat.

Melihat world contemporary art sebagai kontinuitas world modern art membangkitkan kesadaran bahwa world contemporary art kembali berhenti pada claim dan tidak menjadi kenyataan. Model contemporary art yang berkembang di Eropa, Amerika Serikat tidak bisa ditemukan di luar Eropa, Amerika Serikat. Kemungkinannya, contemporary art di luar Eropa, Amerika Serikat, ada tapi tidak sepenuhnya dipahami, atau ada sebagai copy yang tidak bermakna. Di sini, pengertian global contemporary art menjadi berarti. Pertanyaan “what is contemporary art ” harus diubah menjadi “what is global contemporary art ” Hans Belting mengemukakan pertanyaan ini akan menyuruk ke pertanyaan mendasar dan terbuka untuk berbagai kemungkinan yaitu “what is art in global sense.” (3)

Buku Terry Smith, What is Contemporary Art? Mungkin buku paling komprehensif dalam menguraikan tanda-tanda perkembangan seni rupa kontemporer pada dekade 1990 dan dekade awal 2000. Buku ini memasukkan kajian art market dalam tegangan global-local, membahas sejarah seni rupa dan perkembangan museum dalam pertentangan modern-contemporary, dan, benturan arus perkembangan Utara-Selatan dalam kajian post-colonial. Dalam pengamatan saya contemporary art dalam buku ini dibahas baik sebagai world contemporary art maupun sebagai global contemporary art.

Saya melihat ruang antara (space in between) yang terletak di antara world contemporary art dan global contemporary art pada kajian Terry Smith. Ruang antara ini tercermin pada pembahasan contemporaneity yang disebut, “[...] the most evident attribute of the current world picture [...]”. Terry Smith menulis,

Within contemporaneity, it seem to me, at least three sets of forces contend, turning each other incessantly. The first is globalization itself, above all, its thrists for hegemony in the face of increasing cultural differentiation (the multeity that was realesed by decolonization), for control of time in the face of the proliferation of asynchronous temporalities, and for continuing exploitation of natural and (to a degree not yet seen) visual resources against the increasing evidence of the inability of those resources to sustain this exploitation. Secondly, the inequity among peoples, classes, and individuals is now so accelerated that it threatens both the desires for dominations entertained by states, ideologies, and religious and the persistent dreams of liberation that continue to inspire individuals and peoples. Thirdly, we are all williynilly immersed in a infoscope—or better, a spectacle, an image economy or a regime of representations—capable of the instant and thoroughly mediated communication of all information and any image anywhere. (4)

Dari pandangan itu saya tertarik khususnya pada penghubungan contemporaneity dengan tegangan (tensions) di antara globalization yang membawa tanda-tanda hegemony dengan multeity that was realesed by decolonization. Tegangan ini menunjukkan pertarungan image global contemporary art yang sekarang ini terjadi. Pertarungan image ini berpangkal pada pertanyaan: apakah global contemporary art memunculkan keseragaman atau justru keragaman.

Keyakinan yang melihat global contemporary art memunculkan keseragaman melihat global contemporary art berdasarkan faktor spatial dengan menekankan the present. Di sini global contemporary art mempunyai makna yang tetap dan pasti karena tidak dipengaruhi faktor temporal yang membuat makna menjadi tidak tetap dan cenderung terus berubah. Keyakinan ini bahkan cenderung memutuskan the present dari sejarah (selain dipengaruhi faktor spatial dan temporal, sesuatu makna selalu dipengaruhi sejarah pengertiannya). Ini tercemin pada upaya meninggalkan predikat “contemporary” dan menggantinya dengan predikat “now” yang mencerminkan penekanan the present. Maka muncul kemudian istilah-ilstiah global art now dan art now yang sekarang semakin banyak digunakan. Saya rasa gejala ini ada hubungannya juga dengan kecederungan art market—yang dominan pada dekade awal 2000—untuk meminggirkan contemporary art discourses.

Pada arus baru yang percaya pada keseragaman itu tidak ada masalah dengan pengertian contemporaneity yaitu the quality of belonging the same period of time,” dan “the quality of being current or of the present.” (5)

Bagi saya, pengertian contemporaneity di sebaliknya mengandung masalah karena saya percaya bahwa gobal contemporary art justru memunculkan keragaman dan keragaman inilah yang membedakannya dari world contemporary art. Karena itu saya cenderung “membuka” pembahasan contemporaneity dan menempatkannya pada tingkat mediasi—discoursing contemporaneity—untuk menjelajahi persoalan multeity.

Pada perkembangan seni rupa kontemporer upaya menampilkan multeity itu dilakukan Jean-Hubert Martin melalui pameran menghebohkan, Les Magiciens de la Terre di Pusat Kebudayaan Pompidou, Paris pada tahun 1989. Pada pameran ini Jean-Hubert Martin mendampingkan karya-karya seni rupa kontemporer dengan karya-karya seni rupa tradisional antara lain instalasi tanah pendeta-pendeta Tibet, dan, lukisan perempuan-perempuan Uttar Pradesh, India yang menggunakan bidang lukisan menyerupai kanvas.

Pameran itu memunculkan kontroversi panjang dan dibahas selama bertahun-tahun di fora contemporary art. Pada kontroversi ini Jean-Hubert Martin diserang dunia seni rupa di Prancis dan di dunia. Sesudah itu percobaan Jean-Hubert Martin tidak berlanjut pada perkembangan seni rupa kontermporer.

Gejala itu menunjukkan cara paling umum memahami multeity dan membuat contemporaneity yang terpusat pada pertanyaan sama-tidaknya seni rupa kontemporer dengan “seni rupa kontemporer” etnik menjadi tidak bisa dibahas. Masalahnya terletak pada pada kata “quality” pada pengertian umum contemporaneity, “Dalam contemporary art discourses “quality” ini bertumpu pada art in Western sense yang tentunya tidak bisa disamakan dengan ”quality” yang bertumpu pada ethnic art sensibilities. Di sini pembahasan contemporaneity menghadapi kebuntuan karena tidak ada platform untuk membahas secara simultan art in Western sense dan art in ethnic sensibilities yang kajiannya terkurung dalam lingkup etnologi dan antropologi dari zaman kolonial sampai sekarang. (6) Dilema ini tidak bisa dilepaskan dari modern thinking sensibilities di mana commensurability yang mendasari semua pemikiran modern mengalami benturan dengan incommensurability thesis yang dipegang para etnolog dan antropolog.

Pada perkembangan seni rupa modern pertanyaan, “apakah art in ethnic sensibilities bisa disamakan dengan art in Western sense” bisa dengan tegas dijawab, “tidak” karena dalam modernisme modernitas diyakini adalah kontradiksi tradisionalitas. Pada perkembangan seni rupa kontemporer yang menentang modernisme, pertanyaan ini seharusnya mencari jawaban yang berbeda. Namun pada kenyataannya, pertanyaan ini tidak bisa dijawab.

Gejala ini menunjukkan masih berpengaruhnya visi modern bahkan visi kolonial dalam perkembangan seni rupa kontemporer. Karena itu saya cenderung tidak mencoba menjawab pertanyaan “apakah art in ethnical sensibilities bisa disamakan dengan art in Western sense”. Saya justru mempertanyakan mengapa pembahasan contemporaneity pada global contemporary art harus kembali ke pertanyaan ini?

Kendati saya tidak meninggalkan persoalan art in ethnic sensibilities saya meninggalkan upaya membanding-bandingkannya dengan art in Western sense. Saya cenderung mencari jalan memutar dengan membandingkan perkembangan contemporary art, inside dan outside Eropa dan Amerika Serikat. Contemporary art adalah wilayah di mana perbandingan ini bisa dilakukan untuk menemukan baik kebedaan mau pun kesamaan. Di wilayah seni rupa modern tidak ada ruang untuk perbandingan ini.

Perbandingan itu tidak berhenti pada the present. Perbandingan ini melibatkan pengkajian sejarah bagaimana contemporary art muncul, inside dan outside Eropa, Amerika Serikat. Kemudian lebih jauh melihat kembali perkembangan seni rupa sebelum kemunculan seni rupa kontemporer. Di sini mundur lebih ke belakang lagi ke pencarian tanda-tanda pada Abad ke 19 di mana modern thinking sensibilties dan visi kolonial berpangkal. Pada Abad ke 19 bisa ditemukan pula, pangkal adaptasi pemikiran modern di luar Eropa, Amerika Serikat, dan bagaimana pemikiran ini diterjemahkan dan mengalami transformasi. Termasuk di sini adaptasi dan penerjemahan art in Western sense.

Dari perbandingan itu bisa ditemukan kebedaan maupun kesamaan perkembangan seni rupa sejak Abad ke 19. Dari perbandingan ini akan terlihat bahwa di luar Eropa dan Amerika Serikat berkembang seni rupa modern yang lain di mana tidak ada kesadaran memisahkan modern art sensibilities dengan ethnic art sensibilities yang menandakan penolakan kontradikisi modernitas dan tradisionalitas. Karena itu pengaruh ethnic art sensibilities bisa ditemukan. Akan terlihat pula bahwa perbedaan modern art dan contemporary art ternyata tidak tajam. Kehadiran ethnic art sensibilities pada seni rupa kontemporer merupakan kelanjutan perkembangan sebelumnya dan bukan karena “reaksi” pada pertentangan modernisme dan pemikiran-pemikiran postmodern.

Tanda-tanda itu menunjukkan pada perkembangan seni rupa kontemporer di luar Eropa, Amerika Serikat pertanyaan, sama-tidaknya seni rupa kontemporer dengan “seni rupa kontemporer” etnik bukan pertanyaan yang dilematis dan bisa menghasilkan jawaban yang masuk akal. Uraian pada jawaban ini akan menunjukkan kedudukan ethnic art sensibilities pada seni rupa kontemporer yang lepas dari modernisme dan visi kolonial. Uraian ini bisa digunakan juga untuk mengkaji keragaman pada seni rupa kontemporer dan mempersoalkan multeity pada global contemporary art.

Catatan kaki:

(1) “Contemporary Art as Global Art, A Critical Estimate,” Hans Belting. Dalam The Global Art World. Audiences, Markets and Museums. Hans Belting, Andrea Buddensieg (ed.). Hatje Cantz. Ostfinden. 2009. pp. 38-73.
(2) Ibid.
(3) Keynote speech seminar, “A New Geography of Art in the Making” yang diselenggarakan Center for Art and Media, Karlsruhe bersama Göethe Institute di Hongkong 21- 22 Mei, 2009.
(4) What is Contemporary Art? Terry Smith. University of Chicago. Chicago-London.2009. pp. 5-6
(5) Wikipedia.
(6) Gejala ini bisa dilihat pada tulisan Denis Dutton, “But They Don’t Have Our Concept of Art”. Dalam Theoreis of Art Today. Noël Caroll. (ed). The University of Wisconsin Press. London. 2000. pp.217-238
*) Ketua Tim Juri Indonesia Art Award (IAA) 2010